Visita Cultural

Paseo Cultural por el MARCO

Durante este segundo parcial nosotros visitamos el Museo de Arte Contemporáneo, también conocido como el MARCO, en donde asistimos a una exposición de Oscar Muñoz, quien es uno de los artistas más importantes de latinoamérica. Esta exposición de Oscar Muñoz era sobre autorretratos de él mismo, tanto de su rostro como se sus extremidades como brazos, pies, y aparte también de su pecho. Estos famosos autorretratos de su rostro son conocidos como Narcisos y los de sus extremidades o de su pecho son conocidos como Simulacros. Estos Narcisos son contenedores de acrílico llenos de agua, en donde Muñoz pone el polvo de carbón para dibujar/trazar su rostro. El polvo del carbón flota sobre el agua y con el tiempo el agua que se va evaporando va dejando marcas, pero no se mueve. Cuando el agua termina de evaporarse, el carbón que trazaba el rostro llega a su marco en donde se seca y pega. Al finalizar, todas sus obras de su rostro terminan de diferente manera por la manera en la que el agua de se evapora diferente manera. Lo que más nos gusto de esta exposición, es que nunca habíamos escuchado de este tipo de obras, de las cuales aprendimos mucho y nos llamo mucho la atención como el carbón va avanzando a lo largo de la evaporación del agua para llegar al marco y formar el rostro. Aparte, el hecho de que cada rostro aunque sea trazado igual o casi igual por Muñoz, salen muy distintos unos de otros.

La metodología mas conveniente para analizar esta exposición de Oscar Muñoz es la metodología crítica, ya este tipo de arte que implica el carbón sobre el agua, la cual se evapora y llega a su marco, siempre formando diferentes formas del rostro o de las extremidades aunque sean trazadas prácticamente iguales. Es por eso que se analizará la siguiente obra desde un punto de vista crítico, para ver todos los principios y elementos que empleo Muñoz en esta exposición.

Como se puede ver en la foto de la izquierda, esta obra conocida como "Simulacros", es una obra la cual es una fotografía de su pecho, el cual es luego trazado con polvo de carbón sobre agua y va cayendo una gota de agua a cada rato. En la imagen de la izquierda se ve como esta todo el pecho trazado con carbón y en el centro de la imagen hay un hueco en donde hay mucho carbón alrededor y ahí es donde va cayendo la gota de agua a cada rato. Al analizar la obra, se puede ver como la figura/forma del pecho del hombre causa mucho énfasis, ya que el hueco que esta en el centro por la gota que cae, llama mucho la atención de las personas que van a ver esta obra. Por otro lado, también la proporción del pecho tiene una proporción correcta del pecho, ya que se usa un tamaño adecuado y esto se puede analizar con el valor sin color que le da Muñoz al pecho, ya que su obra esta trazada solo en blanco y negro, y en la vida real, como hay personas blancas y negras, esto le da un color correcto a su obra. Por último, la figura/forma del pecho también tiene un balance simétrico, ya que el lado izquierdo y el lado derecho de la obra son totalmente iguales. Yo creo que el mensaje que nos quiere dejar Muñoz con esta obra es que aunque todos nos veamos iguales por fuera, ya sea por nuestro color de piel, tener las mismas propiedades físicas (gordo, flaco, etc.), o cualquier otra cosa que nos haga diferentes por fuera, es que en el interior si somos todos diferentes, por nuestro comportamiento, forma de pensar, etc,. Es por eso que yo creo que él deja caer la gota, porque con lo que tenemos adentro de nosotros, la gota, nos diferencia de las demás personas y hace que no seamos iguales, como sus obras de "Simulacros", que aunque sean todas trazadas igual, por como cae la gota, todas sus obras salen diferentes. Por último, la obra es estéticamente valiosa con la rama del emocionalismo, ya que al dejar caer la gota, Muñoz no quiere transmitir las cualidades literales del hombre, ni los principios del arte, sino quiere expresar lo que sentía, sus sentimientos, transmitir a los que vieran su obra algún significado, de igualdad, o algo que él haya vivido durante su época en Colombia.

La Catedral de Burgos

La Catedral de Burgos

Construida en 1221 en la ciudad de Burgos, España. Se trata de la “Santa Iglesia Catedral Basílica Metropolitana de Santa María de Burgos”, o en corto “La Catedral de Burgos”. La persona que mando a construir esta hermosa catedral es desconocido. Como bien sabemos, la religión católica fue el elemento más importante durante la edad media. Era parte del gobierno y de la cultura cotidiana. La religión católica era demasiado poderosa, y siempre querían mostrar su poder. Uno de los ejemplos más grandes de la religión católica eran las catedrales, las cuales eran iglesias inmensas que servían para alabar a Dios. Ya que, como mencionado antes, la edad media fue intensamente influenciada por la religión católica, los artistas de esta época tenían una obsesión con ella. Tanta era la obsesión, que se hizo un estilo arquitectónico nuevo llamado el estilo gótico. La arquitectura gótica se basaba en la verticalidad (que simbolizaba la elevación hacia Dios), al igual que la iluminación (la cual interpretaban como Dios mismo. Es por esto que en la mayoría de las catedrales góticas se podrá ver este estilo de arcos apuntados, vitrales, y torres puntadas. 

Por su lado, la Catedral de Burgos es un edificio abovedado en su totalidad. Además de la estructura general ya descrita, hay tres elementos muy destacables: el interior de la Capilla de los Condestables, la espectacular belleza del cimborrio, de estilo plateresco y la Escalera Dorada, obra de Diego de Siloé. El interior del templo acumuló durante siglos todo tipo de obras de arte: retablos, pinturas, orfebrería, sepulcros monumentalizados, etc. 

La catedral si es arquitectónicamente valiosa, ya que en el sigo XIII, el rey Francisco I proclamo a la ciudad de Burgos como la capital. Y de ese modo se convirtió en la catedral mas importante de España. En este momento la catedral y la ciudad son visitadas diariamente por la elite de España. Esta catedral tuvo eventos importantes como la boda de Alfonso IV. También fue y sigue siendo una de las catedrales más importantes de España, y es verdaderamente una belleza arquitectónica.

El Ábside de San Clemente de Tahull

Pintura del Ábside de San Clemente de Tahull

El Ábside de San Clemente de Tahull es una pintura de estilo románico, creada en una técnica de fresco, que pertenece a la decoración de la Iglesia de San Clemente de Tahull en el Valle de Bohí. No se especifica el autor, pero si hubo mucha cooperación de diferentes artesanos que se dedicaban a esto. Esta pintura demuestra a Jesús en el centro, adentro de un ovalo, agarrando un libro abierto con la inscripción EGO SUM LUX MUNDI con la mano izquierda y haciendo una señal con dos dedos con la mano derecha. Lleva puesto varias prendas que varían del color azul. Jesús tiene una aureola en la cabeza y se ve que la aureola esta dividida por un signo de x. A los lados de Jesús hay dos ángeles uno por cada lado.  Llevan puestos prendas de color rojo, blanco y azul, tienen aureolas en la cabeza y se les puede notar sus alas. En la parte de en medio también se hallan dos ángeles adentro de dos círculos, pero solo mostrándose del torso para arriba. El de la izquierda lleva puesto prendas de color oro y azul y el de la derecha de color oro y rojo. Llevan las misma aureolas y alas que los otros ángeles. Se pueden considerar como los 4 evangelistas ya que se ven los animales respectivos a lado de ellos. El de arriba en la izquierda es el león, el de arriba a la derecha es el ángel o el hombre, el de abajo a la derecha es el toro y el de abajo a la izquierda es el águila.  Aun más abajo se encuentran cinco apóstoles los cuales están separados horizontalmente por varias columnas y llevan puestos diferentes prendas de colores y todos llevan la misma aureola. Un poco más arriba se nota una oración escrita por en medio de la pintura la cual dice los nombres de los apóstoles que salen en abajo. En este caso son “San Tomás, San Bartolomé, San Juan Evangelista, Santiago y San Felipe. Toda esta obra hace mucho el uso de los colores rojo, azul y amarillo.

Esta pintura es bidimensional ya que no se notan elementos que exalten a la visión y al contrario hacen que se vea plano. Se puede ver un poco de balance en la pintura, pero los elementos son diferentes y solamente los lados son parecidos pero no iguales por lo que la pintura es asimétrica. Hay algo de armonía por medio de las caras de las personas en la pintura porque estos son muy parecidos y hacen ver algo más similar. Esto también aplica para el uso de las aureolas y alas. En la pintura se hace mucho énfasis en el centro porque Jesús es el elemento más grande de la pintura al igual que sus brillantes colores los cuales lo rodean. Si hay variedad de muchos colores porque hacen mucho uso del rojo, azul y amarillo y esto hace que la obra se vea más reluciente y con más vida. Lo más cercano a movimiento de lo que tiene esta pintura es la mano de Jesús que indica algún símbolo, pero los demás elementos se ven sin movimiento. En la pintura se notan muchas líneas horizontales las cuales según los elementos de critica del arte significa calma y si da la sensación de ella ya que no hay mucho movimiento y el tema de la religión lo relaciona bastante. La textura de esta pintura es simulada ya que los elementos no se ven tan realísticos o con mucho detalle y se va más caricaturesco pero del estilo del de esa época.

Yo creo que lo que trataba de interpretar el autor de esta obra eran diferentes partes de la religión cristiana incluyendo a las visiones de la biblia. En esta época, la religión era muy importante en la vida de estas personas ya que era su principal forma de vivir y básicamente la categorizaban como “ley”. Entonces muchas personas buscaban formas de alabar a su religión con mayor importancia y por eso creaban iglesias, catedrales, historias, esculturas, etc. y en este caso pinturas. Esta es una obra típica del cristianismo ya no solamente hace notar a Cristo si no también a sus apóstoles y a los evangelistas. Si trata de transmitir un mensaje tal ves sea lo magnifico que Cristo puede ser ya que se ve muy esplendido en esta obra y todas las personas que lo vean sentirán lo mismo.

Esta obra contiene la cualidad estética del Imitacionalismo ya que se ve mucho el uso de los elementos del arte y principios artísticos. No hace mucha referencia en tratar de transmitir emociones o realismo, si no que vean las personas que tan hermosa es esta religión por medio del arte.

Visita Cultural

Paseo Cultural por el Planetario Alfa

Durante este parcial, nosotros visitamos el museo del planetario Alfa, donde vimos una exposición de las antiguas civilizaciones que vivieron en tierras mexicanas antes de la conquista española, como lo fueron las civilizaciones de los zapotecas, olmecas, totonacas, aztecas, entre muchas otras. Las esculturas que vimos en esta exposición fueron donadas por Horacio Quiñones. Había esculturas de todas las diferentes civilizaciones antiguas que existían y estas esculturas estaban hechas de barro. Eran esculturas chicas de barro de cada civilización, en donde representaban como eran los guerreros, comerciantes, cosas en las que creían, cosas que usaban en sus vidas como vasijas o platos, etc. Lo que más nos gustó de esta exposición escultórica, fue la manera en la que las esculturas estaban hechas, ya que estaban muy bien compuestas y representaban muy bien a las antiguas civilizaciones, como las cosas que usaban para pelear, cocinar, las actividades en general que hacían en sus vidas.

La metodología mas conveniente para analizar esta exposición escultórica, es la crítica, ya que el autor de esta exposición no vivió cuando estas civilizaciones vivían. Es por eso que analizaremos esta exposición de un punto de vista crítico.

Como se puede ver en la foto de la derecha, la escultura es de una persona, quien es un hombre, la cual tiene algo en la cabeza, como el que usaban los egipcios para cubrirse el pelo. También tiene un collar y esta sentado de "chinito". En las piernas se ve como su tuviera una falda para cubrirle las piernas y el pecho lo tiene descubierto. Tiene las manos sobre sus piernas y los pies le salen de lo que le cubre la falda. El hombre de la escultura se ve como si estuviera enojado con algo o alguien por la manera en la que frunce su cara. Al analizar la escultura podemos ver como la cara de esta persona causa mucho énfasis y fuerza con la línea vertical que tiene la escultura. Causa mucho énfasis ya que la cara llama mucho la atención de la persona y por la manera en la que esta sentada la persona se ve la fuerza, con su espalda derecha y frunciendo esa cara que causa énfasis, se ve la fortaleza de la persona. Por otro lado, la escultura tiene un balance simétrico con una figura/forma tridimensional. Esto se da, ya que la escultura es igual de los dos lados, del punto central a la derecha y viceversa y porque le escultura es tridimensional, ya que tiene partes mas adelantes que otras, como las piernas, que estan mas adelantes del cuerpo y de lejos se pudieran ver más grandes. Se puede interpretar a esta escultura como una persona que es un sacerdote de las antiguas civilizaciones por su cosa en la cabeza y el collar que tiene, aparte que en esas épocas, los guerreros y comerciantes se vestían de otra manera como lo pudimos ver en la exposición. El mensaje que nos puede dar esta escultura, es que se las antiguas civilizaciones se tomaban muy enserio su religión, cosa por lo cual la persona esta seria. Se tomaban tan enserio sus creencias, que hasta hacían sacrificios para satisfacer a sus dioses. Por último, la rama estética que mejor representa esta escultura, es la del imitacionalismo,  ya que la escultura es un representación realista de las personas de aquellos tiempos, por la vestimenta que usaban esas personas en aquellos tiempos y porque esta persona esta esculpida de la manera en la que son los personas y no de una manera exagerada.

Arcaico

PINTURA DEL ARCAICO

El “Arcaico” es una pintura que fue pintada por Exequias, uno de los mayores pintores de la Grecia Clásica, entre 540 A.C. y 530 A.C.. El “arcaico fue pintado en una ánfora de cerámica, la cual conocemos como una vasija. Esta vasija media 61,1 cm de alto y su boca media 27,8 cm de diámetro. La pintura esta compuesta por dos soldados barbudos sentados en unos bancos, los cuales se pueden interpretar como Aquiles y Áyax por medio de las inscripciones de la ánfora. Se muestra que están estirando sus brazos hacia una mesa pequeña y viéndola como si estuvieran concentrados en leer algo, lo cual fue interpretado como un juego de mesa. Tienen sus lanzas apoyadas en sus hombros. El soldado de la derecha, Aquiles, porta un casco de troyano, pero nada más descansándolo en su cabeza y no teniéndolo puesto y el soldado de la derecha (Áyax) porta una diadema de plantas. Ambos tienen la armadura de combate puesta y unas capas con muchas decoraciones y símbolos. Alrededor de ellos se pueden ver diferentes palabras y en sus bocas también como si fuera un modo de comunicación. Se revela que los que dicen estas palabras son cuatro, de Aquiles, y tres, de Áyax. Esta pintado de negro y blanco las personas y las cosas y el fondo de amarillo.

Cuando esta pintura es analizada por medio de los principios y elementos del arte se puede notar que tienen muchos detalles los cuales lo difieren de las demás pinturas. El balance de la pintura es simétrico ya que se nota que ambas mitades son iguales y pintadas iguales, pero difieren en lo que están usando en la cabeza. Por medio del color se puede hacer énfasis en las dos personas y en lo que están haciendo ya que el color de la pintura es negra y se hace notar mucho con el fondo amarillo y con los pocos elementos que tiene la pintura. El valor de blanco y negro es muy notable en la pintura ya que se puede apreciar todos los detalles que hizo Exequias en las capas de los soldados y los puntos de sus cuerpos como los ojos, el pelo, las bocas y la armadura. Sin embargo no contiene muchas variedades de colores, solamente el negro, blanco y amarillo.

Las lanzas de los soldados están inclinadas diagonalmente lo cual de un sentido de tensión al igual que las cejas de Áyax que esta perdiendo el juego.

La pintura tiene una textura rugosa, ya que tiene muchos años y esta pintada en una superficie que no es lisa, la cual es la de la ánfora que esta hecha de cerámica. Esto también significa que tiene una textura realista ya que se ve muy natural los hombres, las armaduras, los bancos, etc. y no trata de crear alguna ilusión o algo por el estilo.

La pintura es bidimensional ya que esta plasmada de una forma en la que no puedes ver el resto de los cuerpos de los soldados y obviamente no se nota algún detalle tridimensional. Sin embargo se puede ver que los objetos y personas están cerca y grandes para que se puedan ver los detalles de la pintura. También se puede hacer énfasis en la colocación de los objetos, por ejemplo la mesa del centro. Esto crea énfasis de manera que se pueda observar que es la principal actividad de esta pintura que es el juego y que los soldados también muestren concentración hacia ello.

Esta pintura puede decir muchos mensajes para cualquier observador, pero personalmente yo interpreto esta pintura como una forma de relajación que tenían los soldados. Como la época de Grecia Clásica tuvo que ver mucho sobre el dominio y conquista de territorios, los soldados luchaban sin parar casi todos los días y como es normal se cansaban. Yo interpreto que estos dos soldados, Aquiles y Áyax, están tomando un descanso de la batalla por medio de un juego de mesa que incluye puntos que se pueden ver por las palabras que salen de las bocas de los soldados. Los descansos no eran tan largos, por eso seguían usando sus armaduras y lanzas.

Esta obra es estéticamente valiosa? Yo diría que si porque es una de las pinturas más populares y mejores pintadas de la época de Grecia Clásica. También esta pintura contiene dos de los más importantes soldados de Troya, Gracia, Aquiles y Áyax. Yo opino que el “Arcaico” entra en la categoría del Imitacionalismo ya que sus cualidad literal es lo realista. Nos hace entender que la guerra era muy  común en esa época y que como cualquier soldado se merecían un descanso y así era como estos dos soldados lo hacían, lo cual nos hace ver las cosas reales que pasaban en esos tiempos de guerra.

Laocoon y sus Hijos

ESCULTURA LAOCOON Y SUS HIJOS

Esta escultura se llama Laocoön y sus hijos, la cual fue hecha por Agesandro de Rodas, en el año 50 A.D. y esta estatua fue esculpida de la piedra de mármol. 

La escultura trata de un hombre llamado Laocoön quien le advierte a sus troyanos que no caigan en la trampa del caballo de los griegos durante la guerra. Los troyanos no lo escucharon y aceptaron el caballo como regalo y el dios Poseidón manda a serpientes gigantes a matarlo a él y a sus dos hijos. En la escultura se presenta un hombre alado de dos niños siendo estrangulado por serpientes. 

Se sabe extremadamente poco de Agesandro. Lo que se sabe es que vivió en Grecia y que pudo haber tenido dos hijos, Polidoro y Atenodoro, quienes supuestamente lo ayudaron a esculpir la obra. 

¿Es la obra históricamente valiosa? Si ya que es una de las obras de las que más se hablaba en esos tiempos. Cuando la desenterraron en 1506, Miguel Ángel (Michelangelo) la pudo presenciar y dijo que esta obra le ayudo a perfeccionar los movimientos de hombre. Estudio mucho los músculos y la tensión de Laocoön, en la forma que es estrangulado por las serpientes. Esta obra le ayudo mucho a Michelangelo a madurar como artista.

Hoy en día, esta escultura se encuentra en el museo de la Ciudad del Vaticano, junto a otras grandes esculturas de otros famosos artistas.